Schlagwort: Otto Schenk

[Operette] Emmerich Kálmán – DIE CSÁRDÁSFÜRSTIN / Stadttheater Bremerhaven

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Operette von Emmerich Kálmán / Libretto vom Leo Stein und Béla Jenbach // in deutscher Sprache

Premiere: 8. November 2025 / besuchte Vorstellung: 8. November 2025

Stadttheater Bremerhaven / Großes Haus

MUSIKALISCHE LEITUNG Hartmut Brüsch
INSZENIERUNG Sebastian Kranner
BÜHNE & KOSTÜME Anna Kreinecker
CHOREOGRAFIE Katharina Glas
DRAMATURGIE Torben Selk
CHOR Edward Mauritius Münch
LICHT Katharina Konopka

REGIEASSISTENZ & ABENDSPIELLEITUNG Annika Ellen Flindt
ASSISTENZ KOSTÜME & BÜHNE Elisabeth Pscheidl
DANCE CAPTAIN Melissa Panetta, Annika Ellen Flindt
STUDIENLEITUNG Hartmut Brüsch
MUSIKALISCHE EINSTUDIERUNG Jorrit van den Ham, Tonio Shiga
INSPIZIENZ Regina Wittmar
REGIEHOSPITANZ & FSJ KULTUR Josefine-Alicia Ocko

Hach! Es ist manchmal so wohltuend, sich dem Schmalz hinzugeben und in eine Phantasie-Welt abzutauchen, wo die Probleme überschaubar sind und sich die Liebenden nach einigen unterhaltsamen Irrungen und Wirrungen schlussendlich in die Arme fallen. Happy End! Welches Genre wäre da besser geeignet als die gute alte, oftmals schon todgesagte Operette. Doch wie heißt es so schön:

„Todgesagte leben länger!“.

Insbesondere am Stadttheater Bremerhaven wird eine jahrzehntelange Operetten-Tradition gepflegt. Ich kann mich noch an Zeiten erinnern, da gab es sowohl ein Opern- wie auch Operetten-Ensemble. Letzteres bediente pro Saison neben mind. zwei Operetten auch noch das Musical. Ob die Qualität der Inszenierungen mit der Quantität der Aufführungen mithalten konnte, wage ich nicht mehr zu beurteilen (In meinem hohen Alter sieht man einiges auch schon sehr verklärt. 😁). Heutzutage widmen sich am Stadttheater Bremerhaven dieselben Sänger*innen der so genannten leichten Muse, die sonst auch in der Oper brillieren, und garantieren so Gesangskunst auf hohem Niveau.

In dieser Saison stand nach langer Zeit wieder einmal ein Werk von einem der Begründer der Silbernen Operettenära auf dem Spielplan des Stadttheaters Bremerhaven. Denn wenn ich mich richtig erinnere, dann „verirrte“ sich zuletzt in der Spielzeit 2018/2019 mit DIE HERZOGIN VON CHICAGO ein Werk von Emmerich Kálmán auf die große Bühne meines Stammtheaters.

Sylva Varescu ist der Star der Budapester Varietészene. Der adlige Edwin Lippert-Weylersheim ist unsterblich in sie verliebt. Seine Freunde Boni und Feri raten ihm, die Finger von ihr zu lassen und das leichte Leben zu genießen. Edwins Eltern, Anhilte und Leopold Maria, sind gegen Edwins Verbindung. Sie schicken den Vetter Eugen von Rohnsdorff, um Edwin zum Militärdienst zu rufen und an seine Verlobung mit Cousine Anastasia Eggenberg, genannt Stasi, zu erinnern. Edwin verspricht, seinen Dienst anzutreten, macht Sylva aber zuvor einen Heiratsantrag – den sie annimmt. Als sie erfährt, dass Edwin bereits verlobt ist, beschließt sie, nach Amerika zu gehen. Edwin hat sich damit abgefunden, Stasi heiraten zu müssen. Seine Eltern bleiben aber skeptisch. Boni und Sylva – mittlerweile zurück aus Amerika – tauchen als vermeintliches Grafen-Ehepaar auf. Sie wollen Edwins Eifersucht wecken. Es funktioniert. Edwin bittet Sylva erneut, ihn zu heiraten. Sie sagt wieder Ja. Gleichzeitig gesteht Boni Stasi seine Liebe. Edwin will, dass Sylva ihren erfundenen Titel als Gräfin behält, um die Zustimmung seiner Eltern zu gewinnen. Sylva lehnt ab und verlässt Edwin. Boni versucht, Sylva wieder mit Edwin zu versöhnen. Erfolglos. Stattdessen ermuntert Feri Sylva, auf die Bühne zurückzukehren. Als Feri Edwins Vater begegnet, erzählt er von seiner eigenen Liebe zu einer Chansonette, die später adlig geheiratet hat. Leopold Maria erkennt, dass diese Frau seine eigene Ehefrau ist. Er gibt seinen Widerstand auf – und der Liebe von Edwin und Sylva steht nichts mehr im Weg.

(Inhaltsangabe dem Programmheft zu dieser Produktion entnommen.)

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Es passiert viel, es muss auch viel passieren, und Regisseur Sebastian Kranner tat auch gut daran, viel passieren zu lassen. So gestaltete er die Übergänge zwischen Sprechtext, Gesang und Tanz sehr fließend, setzte dafür gekonnt die Drehbühne ein und erfreute mit originellen Ideen: Da schaute via Gemälde hoch oben über der Bühne Kaiser Franz Joseph mahnend auf die Gesellschaft herab und drohte bei allzu vielen Verfehlungen auch schon mal mit Absturz. Oder das fürstliche Paar LEOPOLD MARIA und ANHILTE kehrte pompös vom Ausritt heim, der sich als Hobby Horsing entpuppte. Doch auch ernste Töne lässt der Regisseur zu: Da klingt der gesellschaftlichen Wandel der damaligen Zeit ebenso an wie der Umgang mit der Prostitution. Dies machte er durchaus sehr deutlich aber ohne den moralinsauren erhobenen Zeigefinger.

Allerdings sorgten einige Szenen bei mir auch für Irritation, da ich nicht ergründen konnte, durch welche der beiden Brillen (Ironie oder Ernsthaftigkeit) der Regisseur sie betrachtet hatte. Diese Szenen wirkten irgendwie so „dazwischen“. Dabei gab es sie durchaus, die herrlich komischen Szenen voller Ironie und Witz, die purer Spaß waren, ebenso wie Momente der Ernsthaftigkeit, die den Mantel der Operetten-Seligkeit abwarfen und dafür umso mehr berührten.

Bedauerlicherweise hatte ich auch den Eindruck, dass Kranner nicht ausreichend mit den Solist*innen an den Dialogen gearbeitet hat. Bei der Operette wird auch sehr viel gesprochen, da über die Dialoge Informationen transportiert und so wichtige Einzelheiten zur Handlung bzw. zu den Figuren dem Publikum offenbart werden. Hier litt am Premierenabend leider manchmal die Textverständlichkeit (unabhängig vom individuellen sprachlichen Hintergrund): Betonungen wurden ungewöhnlich gesetzt, Gesprochenes hatte keinen natürlichen Fluss und wirkte dadurch hölzern. Da wünschte ich mir einen Otto Schenk herbei: Der legendäre österreichische Schauspieler und Regisseur, der vornehmlich Opern aber auch Operetten inszenierte, war bekannt für seine exzellente Dialog-Regie. Oder zumindest hätten mir zum besseren Verständnis deutsche Übertitel sicherlich geholfen. So hoffe ich sehr, dass die Sänger*innen sich im Laufe der weiteren Vorstellungen freispielen, und sie die Worte selbstverständlicher über die Lippen bringen.

Denn gesungen wurde – wie eingangs bereits erwähnt – auf hohem Niveau: Meredith Hoffmann-Thomson gab die Titelfigur SYLVA VARESCU mit großer Stimme und geschmackvoller Erotik und machte auch tänzerisch – insbesondere bei den Revue-Szenen – eine gute Figur. Stimmlich ihr ebenbürtig und von attraktiver Gestalt war Alexander Geller. Allerdings zeigte sein EDWIN RONALD sehr wenig Rückgrat bzw. hatte „keine Eier in der Hose“ (Von der Regie so gewollt?). Da hätte ich der CSÁRDÁSFÜRSTIN einen schneidigeren Galan gewünscht.

Einen Mangel an Schneid konnte man GRAF BONI KÁNCSIÁNU von Andrew Irwin nicht vorwerfen: Da wurde mit Elan vorangeprescht, um aus vollen Zügen das Leben und (vor allem) die Liebe zu genießen. Wie gut, dass Irwins BONI mit der lebenslustigen KOMTESSE STASI von Victoria Kunze eine kongeniale Partnerin zur Seite gestellt wurde. Kunze brillierte abermals mit ihrem wunderbaren Timing für Komik und der Fähigkeit, auch den irrwitzigsten Dialogen Leben einzuhauchen.

Timothy Edlin als väterlicher Freund FERI VON KEREKES ruhte gänzlich in sich selbst, war der ausgleichende Pol gegenüber seinen jugendlichen Freunden und schaffte es, einen wohldosierten Hauch von Melancholie und Vergänglichkeit zu versprühen. James Bobby als LEOPOLD MARIA und Iris Wemme-Baranowski als dessen Gattin ANHILTE sorgten für reichlich Amüsement als herrlich exaltiertes „Sissi & Franzl-Look alike“. Róbert Tóth gab einen (nach Außen) polternden, doch (innerlich) gutmütigen EUGEN VON ROHNSDORFF, und Ines Mayhew-Begg, Yvonne Blunk und Elena Zehnoff gefielen als handfeste MÄDIS.

Doch für mich waren die heimlichen Stars der Inszenierung der prachtvoll singende wie ebenso agierende Opernchor sowie die großartigen Tänzer*innen vom Ballett-Ensemble, die die spritzige Choreografie von Katharina Glas schwungvoll über die Rampe brachten. Wenn sie auftraten, passierte in jeder Ecke der Bühne immer so viel, dass ich meinen Blick so manches Mal förmlich von ihnen losreißen musste, um mich wieder auf die Hauptpartien konzentrieren zu können.

Ausstatterin Anna Kreinecker schuf stimmige Kostüme, die die unterschiedlichen Gesellschaftsschichten klar voneinander trennten. Die Kostüme in den Revue-Szenen strahlten extravagant im Stil der legendären 20er Jahre, während der Adel allzu üppig und immer etwas „Over the Top“ gewandet war. Zudem stellte sie ein wandlungsfähiges Bühnenbild auf die Drehbühne, das nach vorne glitzerte und prunkte, nach hinten eher nüchtern bzw. heruntergewirtschaftet wirkte und so symbolisierte, dass alles „mehr Schein als Sein“ ist.

„Last“ doch definitiv „not least“: Operetten-Spezialist Hartmut Brüsch kitzelte aus dem Philharmonischen Orchester Bremerhaven wieder so herrlich süffig schmelzend die Kálmán’schen Melodien hervor, die längst schon zu Evergreens geworden sind. Dabei pendelten die Musiker*innen gekonnt zwischen folkloristischen Pusta-Klängen, sehnsuchtsvollen Duetten und schmissigen Tanz-Nummern.

Auf meiner „Tanz-Karte“ stehen mindestens noch zwei weitere Vorstellungen von DIE CSÁRDÁSFÜRSTIN: Endlich ein Naschwerk, das nach Verzehr nicht sofort eins zu eins auf meiner Hüfte landet!

Operetten-Seligkeit bis ins Neue Jahr: Dies verspricht DIE CSÁDÁSFÜRSTIN am Stadttheater Bremerhaven allen Fans beschwingter Unterhaltung. 

FEHLBESETZT: …zur falschen Zeit am falschen Ort?!

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Ich glaube, jeder literaturbegeisterte Mensch kennt folgende Situation: Der Lieblingsroman wurde verfilmt. Gespannt und voller Vorfreude eilt man ins Kino und hofft auf eine wundervolle Literaturverfilmung. Doch je länger der Film andauert, umso mehr stellt sich Unmut ein. Da wurde die Rolle der so innig geliebten Heroin mit einer farblosen Schauspielerin besetzt, und auch der über alles verehrte Romanheld wird von irgendeinem talentfreien Schönling gemimt. Voller Wut stürmt man aus dem Kino, und auf dem Weg zum Auto heult man verzweifelt zum Mond hinauf:

„Welcher dilettantische Vollidiot war nur
für diese eklatante Fehlbesetzung verantwortlich?“

Na? Findet sich die eine oder der andere von euch in meinen Worten wieder? Also, mir ist dies durchaus schon widerfahren, dass die Verfilmung eines Romans (oder zumindest einige Komponenten davon) so absolut nicht mit dem übereinstimmte, wie ich es mir beim Lesen so schön in meiner Phantasie erdacht hatte. Zugegeben: Es kam bisher selten vor, da ich glücklicherweise einen Film als eigenständiges Medium/Kunstwerk ansehe und selten mit der Romanvorlage vergleiche. Doch es kam vor…!

Manchmal ergeht es mir ähnlich, wenn ich mir Einspielungen von musikalischen Bühnenwerken anhöre. Natürlich spielt hier immer auch der persönliche Geschmack eine entscheidende Rolle: Es gibt eben Singstimmen, die mich mehr ansprechen als andere. Dabei kommt es mir nicht unbedingt auf den reinen Schöngesang an. Oftmals sind es die kleinen Brüche in der Stimme, die Emotionalität beim Vortrag oder die Schlichtheit im Ausdruck, die mich ganz besonders berühren. Und trotzdem ich mich immer um Objektivität und Fairness bemühe, sitze ich manchmal vor meinem CD-Player, schüttle ratlos den Kopf und stelle mir (in abgemilderter Form) die obige Frage.

Hier einige Beispiele:

MY FAIR LADY – Teil 1

Am 25. Oktober 1961 hob sich im Berliner Theater des Westens der Vorhang für die deutschsprachige Erstaufführung des Erfolgsmusicals MY FAIR LADY, das einen wahren Siegeszug durch die Republik machen und so den Weg für kommende Musical-Produktionen ebnen sollte. Die Musicalausbildung steckte damals noch nicht einmal in den Kinderschuhen, im Gegenteil: sie hatte selbst das Embryonalstadium noch nicht erreicht. Darum kann man es nicht zu hoch bewerten, dass es dem damaligen Produktions-Team gelungen war, eine Besetzung zusammenstellte, die die Partien kongenial ausfüllte. Mit einer Ausnahme…! Über die Gründe, warum Rex Gildo für die Rolle des Freddy Eynsford-Hill verpflichtet wurde, kann ich nur spekulieren. Ich tippe auf Gründe zum Zwecke der Werbung: Vielleicht wurde gehofft, dass mit ihm, einem damals sehr populären Schlager-Star, auch ein jüngeres Publikum ins Theater gelockt wird. Neben den gelungenen Interpretationen von Karin Hübner (Eliza Doolittle), Paul Hubschmid (Henry Higgins), Friedrich Schönfelder (Oberst Pickering) und Alfred Schieske (Alfred P. Doolittle) wirkt seine Darbietung – zumindest auf der deutschen Originalaufnahme – sehr unpersönlich, steif, farblos, – Ja! – beinah steril. Es scheint mir so, als wäre er mit der Aufgabe, einen glaubwürdigen Bühnencharakter auf die Bretter zu stellen, überfordert gewesen. Ein vorliegendes Programmheft aus der Premieren-Saison 1961/1962 offenbarte mir, dass Rex Gildo nicht sehr lange an der Produktion beteiligt war und recht schnell durch den jungen Sänger Arne Lindner ersetzt wurde, der diese Rolle über einige Jahre spielen sollte.

MY FAIR LADY – Teil 2

In den 60er und 70er Jahren waren große musikalische Querschnitte von Opern, Operetten und Musicals auf Schallplatte äußerst populär und boten den Plattenfirmen die Möglichkeit, ihre Publikumslieblinge vielseitig zu besetzten. Da gibt es durchaus einige Schmankerl zu entdecken aber ebenso viele Kuriositäten zu bestaunen. Die Berliner Original-Aufnahme von MY FAIR LADY verkaufte sich „wie warme Schrippen“ und bescherte der Produktionsfirma Philips üppige Umsätze. So ließ es sich auch Polydor nicht nehmen, schon kurz nach der deutschsprachigen Erstaufführung einen „großen Musical-Querschnitt“ zu veröffentlichen und diesen auf dem Cover vollmundig mit „Die deutsche Idealbesetzung“ zu bewerben. Idealbesetzung??? Diese Einspielung kann – trotz bekannter Namen – nicht annähernd der deutschen Originalaufnahme das Wasser reichen. Entertainer Peter Alexander übernahm den Part von Henry Higgins und bleibt doch stets Peter Alexander: Bei „Kann denn die Kinder keiner lehren, wie man spricht“ wurde der Text entsprechend angepasst, damit Alexander sich durch die div. Dialekte parodieren konnte, und auch bei den anderen Songs driftet er immer wieder in Richtung Klamauk ab. Die Rolle der Eliza teilen sich hier gleich zwei Künstlerinnen: Während Kabarettistin Cissy Kraner sich als „Blumenmädchen“ unangenehm durch die Noten keift, wirkt die Interpretation von Sopranistin Herta Talmar als „Lady“ recht geziert. Zudem frönt sie bei einigen Songs dem Sprechgesang mit einer gewöhnungsbedürftigen Betonung. Sándor Kónya als Freddy Eynsford-Hill ist mit seinem schönen, kraftvollen Tenor deutlich näher dem grünen Hügel als der Wimpole Street. Einzig Willy Millowitsch kommt mit seiner Interpretation von „Bringt mich pünktlich zum Altar“ der Rollenvorgabe des Alfred P. Doolittle am Nächsten. Allerdings durfte er leider nur diesen einen Song singen: „Mit ’nem kleenen Stück vom Glück“ wurde bedauerlicherweise dem Star der Aufnahme Peter Alexander zugeschustert.

DIE FLEDERMAUS

Apropos „zum Zwecke der Werbung“: Anders kann ich mir das Mitwirken von Iwan Rebroff bei einer Einspielung der beliebten Operette DIE FLEDERMAUS aus dem Jahre 1976 nicht erklären. Alle anderen Partien wurden mit wahren Könner*innen ihres Fachs (Julia Varady, Lucia Popp, Hermann Prey, René Kollo und Bernd Weikl) besetzt, die sowohl gesanglich Erlesenes bieten als auch in den Dialogen durch Spielfreude überzeugen. Iwan Rebroff hingegen singt und spricht in der Rolle des Prinzen Orlofsky (im Original eine Hosenrolle für eine Mezzosopranistin/ in jüngerer Zeit auch gerne mit einem Countertenor besetzt) in einem für mich nur schwer zu ertragenen Falsett, dem es leider an Volumen mangelt. Zudem wirkt seine Interpretation mit den vielen Schlenkern und Kieksern unangenehm affektiert, tuntig und somit wenig überzeugend. Leider kann man Herrn Rebroff und seiner Stimme – insbesondere ab dem 2. Akt – nicht entkommen, da bei dieser Aufnahme auch an den Dialogen nicht gespart wurde. Doch selbst der versierte Otto Schenk, der für die Dialog-Regie verantwortlich war, konnte in diesem Fall aus einem Klotz keinen Edelstein formen.

WEST SIDE STORY

Dass sich auch viele gute Einzelkomponenten nicht unbedingt zu einem zufriedenstellenden Gesamtergebnis vereinen, zeigt allzu deutlich die Studioaufnahme der WEST SIDE STORY aus dem Jahre 1985. Unter der musikalischen Leitung des Meisters Leonard Bernstein höchstpersönlich versammelte sich eine illustre Riege der damals hochkarätigsten Opernstars. Jeder Opernfreund, der vielleicht mit dem Genre Musical eher fremdelt, wird Jubelschreie der Verzückung ausgestoßen und sich gefreut haben, dass die weltbekannten Songs eines weltbekannten Musicals endlich durch den wunderschönen klassischen Gesang weltbekannter Opernsänger geadelt wurde (Als wenn dieses Werk es nötig gehabt hätte?!). Doch im Sinne der Werktreue besteht diese Aufnahme leider aus einer einzigen Ansammlung von Fehlbesetzungen: Weder Kiri Te Kanawa als Maria noch José Carreras als Tony konnten ihre jugendlichen Parts überzeugend verkörpern. Während Te Kanawa versucht mit einem übertrieben gerollten R ihrer Artikulation wenigstens einen hispanischen Touch zu geben, um so sich der Rollenvorgabe anzunähern, ist der spanische Akzent bei José Carreras stets so sehr im Vordergrund, dass niemand ihm auch nur annähernd den „all american boy“ abnehmen würde. Marilyn Horn verwandelt mit ihrem reifen Mezzo das zarte Lied „Somewhere“ zur satten Opernarie, und auch Tatiana Troyanos als Anita lässt jugendlichen Esprit vermissen. Zudem hatte irgendjemand (Ich fürchte, es war Papa Leonard Bernstein selbst.) die leidige Idee, die Zwischen-Dialoge von Nina und Alexander Bernstein einsprechen zu lassen. Es war absolut keine gute Idee: Selten habe ich Dialogen gelauscht, die so emotionsarm und bar jeglichen Charismas aufgesagt wurden.

MY FAIR LADY – Teil 3

Auf der Welle des Erfolges wurden mit Kiri Te Kanawa noch zwei weitere Musicals eingespielt, u.a. auch MY FAIR LADY. Leider wiederholte sich hier das, was ich schon bei der WEST SIDE STORY anmerkte. Kiri Te Kanawa singt zwar abermals wunderschön, doch aufgrund ihres reifen vollen Soprans nehme ich ihr das junge Mädchen, das eine Wandlung vom schlichten Blumenmädchen zur eleganten Lady durchlebt, nicht ab. Stichwort „durchleben“: Te Kanawas Interpretation klingt, als würde die große Diva nur so tun, als wäre sie ein einfaches Mädchen aus ärmlichen Verhältnissen. Gelebte Emotionen sind für mich bedauerlicherweise nicht herauszuhören. Auch der amerikanische Tenor Jerry Hadley lässt in der Rolle des Freddy Eynsford-Hill den nötigen Elan vermissen und intoniert seinen Part in schönster Operetten-Manier. Die Lichtblicke bei dieser Einspielung sind der männlich-markante Henry Higgins von Mime Jeremy Irons und die drollig-kauzige Interpretation des Alfred P. Doolittle durch Warren Mitchell.

MY FAIR LADY – Teil 4

Aber auch auf der Bühne „live & in Farbe“ durfte ich eine mal mehr, mal weniger gravierende Fehlbesetzung erleben. Da ist mir eine „besondere“ MY FAIR LADY in allzu lebhafter Erinnerung geblieben: In der besagten Inszenierung stand ein Sänger als Freddy Eynsford-Hill auf der Bühne, den ich nur als hohle Nuss, als eine absolute Knallcharge betiteln konnte. Mit rollenden Augen, weit ausgebreiteten Armen und rotierenden Hüften säuselte er überkandidelt verliebt mimend „In der Straße, mein Schatz, wo du lebst“. In den gemeinsamen Szenen mit Eliza versuchte er penetrant ein Küsschen von ihr zu erhaschen, während seine bemitleidenswerte Partnerin verzweifelt bemüht war, sich ihm vom Hals zu halten. Da wurde das, was ich an Fremdscham meinte bisher erdulden zu können, in eine neue Dimension katapultiert. Ich saß leidend im Zuschauersaal und schickte voller Verzweiflung eine Myriade an Stoßgebete an alle Musen der darstellenden Künste:

„Wo bleibt er, der Theaterunfall,
wenn man ihn mal braucht?“

Bei der aktuellen Produktion von MY FAIR LADY am Stadttheater Bremerhaven braucht allerdings niemand solche oder ähnliche Peinlichkeiten zu befürchten. Hier erwartet das Publikum die pure Freude…!!! ❤️

Vernehme ich da etwa die Bitte, eine Referenz-Aufnahme zu benennen? Dieser Bitte nachzukommen, könnte sich für mich durchaus schwierig gestalten. Als Liebhaber des Musiktheaters im Besonderen und als Musical-Fan im Speziellen besitze ich von musikalischen Werken natürlich nicht nur eine einzige CD-Einspielung. Vielmehr bin ich da ein unheilbarer Wiederholungs-Täter mit einem massiven Rückfall-Potenzial.

So nenne ich verschiedene Einspielungen bzw. Cast-Recordings mein Eigen: 15x MY FAIR LADY, 13x WEST SIDE STORY und „nur“ 5x DIE FLEDERMAUS. Jede von ihnen hat ihre Vorzüge, und so fällt es mir durchaus schwer, mich hier jeweils auf eine einzige Cast-Aufnahme zu beschränken. 

Aber wenn’s denn partout nicht zu umgehen ist… 😉

  • MY FAIR LADY / Original Broadway Cast 2018 / Musikalische Leitung: Ted Sperling / mit Lauren Ambrose (Eliza), Harry Hadden-Paton (Higgins), Norbert Leo Butz (Doolittle), Diana Rigg (Mrs. Higgins), Allan Corduner (Pickering) und Jordan Donica (Freddy) / erschienen bei Broadway Records / EAN: 888295764834

  • WEST SIDE STORY / Nashville Symphony Orchestra / Musikalische Leitung: Kenneth Schermerhorn / mit Betsi Morrison (Maria), Mike Eldred (Tony), Marianne Cooke (Anita), Robert Dean (Riff) und Michael San Giovanni (Bernardo) / erschienen bei NAXOS /EAN: 636943912621

  • DIE FLEDERMAUS / Royal Concertgebouw Orchestra / Musikalische Leitung: Nikolaus Harnoncourt / mit Werner Hollweg (Einstein), Edita Gruberova (Rosalinde), Christian Boesch (Frank), Marjana Lipovšek (Orlofsky), Josef Protschka (Alfred) und Barbara Bonney (Adele) / erschienen bei TELDEC / EAN: 022924242724

Referenzaufnahmen zu FEHLBESETZT

Hier ein kleiner musikalischer Appetizer:

[Komödie] Eberhard Streul & Otto Schenk – DIE STERNSTUNDE DES JOSEF BIEDER / TiO Osterholz-Scharmbeck

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Komödie von Eberhard Streul und Otto Schenk

Premiere: 16. Oktober 2021 / besuchte Vorstellungen: 17. und 31. Oktober 2021

TiO – Theater in OHZ, Osterholz-Scharmbeck

Inszenierung: Marne Ahrens
Bühne: Beate Schöne

Theater in Zeiten von Corona: Es war und ist für jede Bühne eine Herausforderung. Doch besonders kleine und allerkleinste Theater trifft es besonders hart. Nicht nur, dass die Hygienevorschriften vor, auf und hinter der Bühne umgesetzt werden müssen, auch die Abstandsregelung zwingt viele Theater, die per sé schon überschaubaren Plätze im schnuckeligen, engen und gemütlichen Theaterraum weiter zu reduzieren. Die Folgen: weniger Zuschauerzahlen = weniger Einnahmen = Existenzängste! Selbst eine Amateur-Bühne wie das TiO – Theater in OHZ, wo alle Bühnenschaffenden dies als ihr Hobby ansehen und somit sich ehrenamtlich für das Theater engagieren, spürte diese Folgen. Laufende Kosten scheren sich nun mal nicht um eine Pandemie. Doch das TiO – Theater in OHZ suchte neue Wege und fand diese: ein Darsteller auf der Bühne, ein Regisseur vor der Bühne, eine Requisiteurin hinter der Bühne und ein Techniker am Licht- und Ton-Pult – alle mit dem geforderten Abstand zueinander. Zudem wurde ein passendes Stück mit einer überschaubaren Länge gefunden. So startete im Dezember 2020 die Crew mit den Proben ins Ungewisse, doch mit dem festen Willen, sobald sich eine Möglichkeit bietet, wieder Theater für ihr Publikum anbieten zu können. Und das Konzept ging auf…!

Josef Bieder ist Chefrequisiteur am örtlichen Theater und schon seit Jahrzehnten in diesem Beruf tätig. Er kennt sich aus, und nichts und niemand könnte ihn aus der Ruhe bringen. Das dachte er zumindest, bis er an einem vorstellungsfreien Tag unversehens auf der Bühne steht, um diese für die Aufführung am nächsten Tag vorzubereiten, und im halbdunklen Zuschauerraum Publikum wahrnimmt. Wie konnte dieses Malheur nur passieren? Das kann doch nur ein peinlicher organisatorischer Fehler „von Denen da oben“ sein. Während er versucht, die Verantwortlichen an die Strippe zu bekommen, sucht er den Kontakt mit dem Publikum, denn schließlich „Sie können ja nichts dafür…!“. Dabei entwickelt sich zunehmend ein Monolog, in dem Bieder mehr und mehr ins Plaudern gerät und seine harmlose Schwärmerei für seine junge Assistentin Leni offenbart. Er gewährt „seinem“ Publikum Einblick in seinen Tätigkeitsbereich, gibt Anekdoten über Sänger und Dirigenten zum Besten, zelebriert die verschiedenen Arten der Verbeugung ebenso überzeugend wie das Todeszucken des sterbenden Schwans, und so ganz nebenbei verrät er charmant seine persönlichen Leidenschaften. Nach einer Stunde – seiner Sternstunde – ist seine Arbeit getan, und er verabschiedet sich (und uns) in den wohlverdienten Feierabend.

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Manchmal ist weniger mehr: einige wenige Bühnenteile, eine Handvoll Requisiten, dazu ein talentierter Schauspieler unter der Führung eines fähigen Regisseurs, und fertig ist die humorvolle Unterhaltung mit Niveau. Dabei mutete anfangs alles eher etwas nüchtern an: Das Publikum tritt in den Saal und schaut auf die offene Bühne, die Bühnenbildnerin Beate Schöne im Arbeitslicht wenig ansprechend wirken lässt. Ebenso erlaubt Carsten Mehrtens seinen Josef Bieder nicht von vornerein allzu sympathisch über die Rampe zu kommen. Vielmehr wirkt er eher spröde und scheint verunsichert ob der Situation, die er gerne schnellstmöglichst geklärt wissen will. Doch da er „von Denen da oben“ keine schnelle Rückmeldung erhält, ist Bieder gezwungen zu improvisieren. Und so wie die Kulisse plötzlich im Bühnenlicht Atmosphäre ausstrahlt, so blüht unser ältlicher Requisiteur mit jedem weiteren Satz, mit jeder weiteren Anekdote mehr und mehr auf.

Carsten Mehrtens gelingt bravourös der Spagat zwischen Melancholie, Humor und Slapstick. Grandios wie er mit differenzierter Mimik und Gestik die unterschiedlichen Formen der Verbeugung darstellt, voller Zartheit in seiner Schwärmerei von Leni erzählt und über das Altern philosophiert, um dann mit Cadenza den Fächertanz im Tütü darzubieten. Regisseur Marne Ahrens wird einen nicht unwesentlichen Anteil am Gelingen dieses Abends haben. So führt er seinen Schauspieler klug durch diesen Monolog, erlaubt ihm Pausen des Nachdenkens und Resümierens, nutzt geschickt Requisiten und würzt den Text mit lokalen Anspielungen.

Nach einer guten Stunde war das Vergnügen leider schon zu Ende. Doch diese Stunde war nicht nur die Sternstunde des Josef Bieder, sondern ebenso eine Sternstunde für alle Mitwirkende und eine Freude für jede*n, die/der intelligente Unterhaltung zu schätzen weiß.

Hingehen, anschauen und einen tollen Abend verleben: DIE STERNSTUNDE DES JOSEF BIEDER werden noch bis November im TiO – Theater in OHZ zu sehen sein.